Cuando en 1930 Walker Evans fotografiaba a unos trabajadores bajando de una camioneta un cartel luminoso con la palabra Damaged (dañado), no solo reflejaba un momento cualquiera de la ciudad de Nueva York.

Aquella instantánea albergaba una declaración de intenciones, en la que se podía encontrar una emancipación de los códigos pictóricos que ataban a la fotografía desde su nacimiento, y una admiración e interés por transformar la apariencia de lo real en lenguaje como signo de significación múltiple y de valor documental.

Sería este carácter de documento de lo real, tan ligado al conceptual, el que curiosamente haría evolucionar la fotografía llevándola a una literalidad cuasi “duchampiana” del objeto, conjugada con una indiferencia por lo estético. Aunque esta hubiera  de seguir atada por el imán de las otras bellas artes que se daban en ese momento.

 

Para entonces, -a partir de los años ochenta- y principalmente gracias a la llamada escuela de Vancouver, sería cuando se diera un paso de gigante en la liberación definitiva de la fotografía,  por medio del tránsito de una fotografía entendida como documento, a otra que se entiende como objeto y obra final, monumentalizando lo que antes era anécdota y objetualizándola a su vez. Y donde la inevitable estética documental de la fotografía alimentaba un juego paradójico entre realidad y ficción que le permitía dar ahora nuevos significados.  Pasando de la indiferencia estética a una “estética de la indiferencia”.

 

Es entonces cuando comprendemos, pese a un apetecible grado de similitud, la distancia no solo temporal que nos separa de la fotografía antes citada de Evans y las obras contemporáneas y coetáneas de Javier Ayuso. Entendiendo que tras la estética de lo aparentemente normal se encuentra una estudiada colocación de los elementos  propia del mundo publicitario, donde todo está cuidado hasta el mínimo detalle por las nuevas tecnologías, para generar mensajes abiertos y sugestivos al espectador, con la intencionalidad propia de una obra de arte.