Lo que haya de humano en nuestras ruinas, en lo que nos delata en nuestras obras perdidas u olvidadas es algo que parece no interesarnos siquiera a nosotros mismos. Es sorprendente que no seamos capaces de reconocernos en nuestros propios desechos. Porque dejamos huellas en cada uno de nuestros actos de humanidad, que van desde los envoltorios callejeros hasta nuestra vieja ropa.

Hay algo lírico en todo esto, una especie de poesía que no seremos, claro está, los primeros en descubrir. ¿Qué hay tras los restos del naufragio sino la vida de un náufrago? Decía que no somos los primeros en descubrirlo. Schwitters, dadaísta epigonal hizo de sus obras un gran assemblage de desperdicios, restos usados; precisamente todo aquello que es permanentemente olvidado o despreciado: billetes de autobús, cartas antiguas, prospectos, entradas de espectáculos… En los Estados Unidos, fue Robert Rauschenberg quien, aplicando estas mismas técnicas impregnase sus obras de un sentido parecido.

Tras todo esto se encuentra un vasto pero inteligente sentido de nuestra cultura occidental. Hemos pasado de las viejas ruinas del mundo antiguo a nuestras más modernas del desperdicio, del consumo o de la basura. En la inmediatez de nuestra historia hemos ido dejando un rastro ampuloso que el arte no ha podido pasar por alto durante todo el siglo XX. Y sería exagerado decir que lo que llevamos del XXI ha hecho ya algo digno de diferenciación.

Recogiendo estas dos ideas anteriores, sería interesante reflejar qué cosa sea esta lírica tan naturalista. Rauschenberg, decía antes, había creado un concepto de combinación en el que se recogían los elementos simbólicos que nos rodeaban y que formaban parte de esa cultura del “usar y tirar”. Claro está que, tras aquellos símbolos esenciales se encontraba algo que parecía pasar de largo antes de su reunión en una obra de arte: que su última significación simbólica era la de una vida, una idea o una señal de humanidad. Todo este panorama artístico daría más tarde lugar a toda la tendencia, fundamentalmente norteamericana, del Pop-art y se encontraría, en alguna medida, en la línea de lo que en la literatura de aquel país se conoció como generación o grupo Beat, con Burroughs, Bukowski, Kerouak o Ginsberg, autores que, me consta, interesan mucho a Juan Gil Segovia.

Esta estética era, fundamentalmente, libre. Pero entendiendo esta palabra como una auténtica libertad creadora, a la manera de los músicos de Jazz en las Jam Session, automática, rápida y urgente. Y Juan tiene, en sus obras, esta misma manera de eficacia artística. Sobre los restos de la cultura reciente, ha sabido unificar, no solo materiales, sino también técnicas que nos deparan la sorpresa de reinventar nuestro tiempo histórico sobre símbolos que se apagan –podríamos hablar aquí del significado último que tienen las transferencias de imágenes del objeto al lienzo-. Recuerdo aa....