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La obra de arte no debe de ser la belleza en sí misma, o está muerta; ni alegre ni triste, ni clara ni oscura, regocijar o maltratar a las individualidades sirviéndoles pasteles de las aureolas santas o los sudores de una carrera arqueada a través de las atmósferas.  Una obra de arte jamás es bella, por decreto, objetivamente, para todos.

 

Tristan Tzara, Manifiesto Dadaísta, 1918.

 

 

Dos años antes de que el excéntrico poeta rumano, máximo exponente del Dadá, declarara la muerte de la belleza objetiva y de toda convención establecida con respecto al arte, abría sus puertas en Zúrich el famoso Cabaré Voltaire. Hace ya 100 años que entre el humo, el olor a café y a absenta, las notas musicales aleatorias y las risas que embriagaban la realidad paralela de aquel recóndito e irracional cabaret, se empezaron a levantar las voces de artistas, escritores, músicos y pensadores que reclamaban el azar como recurso operativo, la revolución a la máquina, la constante negación y la inclinación hacia la duda y la espontaneidad. Una tónica general de rebeldía que exponía que cualquier persona puede ser artista y cualquier material puede ser utilizado creativamente; que llamaban al individuo a estar en constante cuestión, a ser escéptico, a olvidarse de la belleza objetiva, eterna y perfecta. 

 

Ese mismo año, en 1916, Kodak lanzaba su primera cámara telemétrica: la cámara Kodak Autographic Special 3ª. Aquella compañía de equipo fotográfico que ya en su nacimiento en 1888 acuñó el lema “Usted aprieta el botón, nosotros hacemos el resto”, quería democratizar la fotografía y facilitar su uso todo lo posible al comprador. Con novedades tecnológicas como el telémetro incorporado en aquel momento, Kodak quería mejorar la luminosidad, claridad, definición, rapidez y calidad de sus fotografías. En definitiva, reducir todo lo posible la posibilidad de error de la imagen. 

 

Kodak lo consiguió (y Canon, Nikon, Sony, etc.). Hoy en día casi todo el mundo tenemos, si no es una cámara de fotografía propia, un teléfono móvil con cámara integrada. Esta además cuenta con todas las facilidades para que el disparo sea lo más sencillo posible.

 

Pero tanto las cámaras como los ordenadores llevan consigo unas instrucciones y patrones a seguir, lo que conduce a que utilicemos la máquina como si fuéramos también máquinas, sin salirnos del manual o de la regla. Ante esta época de revolución tecnológica y democratización del uso de la fotografía y los ordenadores, algunos artistas han empezado a experimentar y a trabajar fuera de las líneas “correctas” de funcionamiento de estas máquinas.

 

Dos de esos artistas que hacen caso omiso de ese “usted aprieta el botón, nosotros hacemos el resto” son Anabel Maldonado (Madrid, 1990) y Guillermo Latorre Plaza (Madrid, 1980). Ambos se encuentran dentro de esta corriente del glitch art, o arte del error, en la que valiéndose del azar, de la estética del error o de los “bugs” digitales, crean deconstrucciones en las que todos estos (im)perfectos contratiempos dan resultados diferentes, fuera de lo establecido como ”correcto”.

 

Por un lado, Guillermo Latorre presenta su serie C_MOS IS DEAD, en la cual se vale del fallo tecnológico del sensor C_MOS de su cámara fotográfica para dejar que el azar, el accidente y el error de los últimos estertores creen una imagen híbrida, de estética aleatoria y glitch. Podemos ver imágenes que a algunos les recordarán a la última foto errónea de sus antiguos carretes analógicos en la que solo se veía un fondo negro con alguna línea o mancha (que, por supuesto, era desechada), también imágenes borrosas y muy movidas en las que difícilmente puede distinguirse algo. Son, en definitiva, imágenes abstractas que además son presentadas en formato cuadrado, relacionado en artes visuales con el equilibrio y la perfección generalmente, lo que les proporciona una armonía y un equilibrio inesperados.